Jon Jost, cineasta independente – Stagefright

Jon Jost, cineasta independente. Os primeiros filmes

9. Medo do palco

‘Stagefright’ (1981) é muito diferente dos outros primeiros filmes de Jost. A razão para a diferença é dupla: em primeiro lugar, foi originalmente feito (em forma mais curta) para a TV alemã, e Jost adaptou seus métodos para se adequar ao meio e, em segundo lugar, o assunto em exame, o teatro, é examinado de perto. em vez de, como nos dois filmes anteriores, pelo seu efeito na sociedade em geral.

O filme parece diferente porque é todo filmado em um estúdio com atores atuando contra um fundo preto. A ênfase, portanto, está na expressão através da figura humana, que tanto se adapta ao meio televisivo quanto reproduz os métodos do teatro. De fato, uma vez que estamos constantemente cientes de que estamos assistindo atores atuando, e como a câmera não se move, assistir ao filme é quase tanto como estar no teatro quanto estar no cinema.

O filme não tem enredo e, como ‘l, 2, 3, Four’ e outros curtas iniciais, o subtexto é em forma de ensaio. O argumento tem quatro fases: uma introdução, uma exposição, um clímax e uma conclusão. A introdução é uma curta história da comunicação humana e, como tudo nos filmes de Jost, pode ser lida em mais de um nível. Em primeiro lugar, tomamos conhecimento de que o assunto que está sendo ilustrado é a comunicação como parte da evolução da humanidade. Em segundo lugar, estamos cientes de que a história está sendo ilustrada por atores e que os desenvolvimentos na comunicação também ocorreram no teatro. E, em terceiro lugar, estamos conscientes de que o que estamos assistindo é um filme, outra área em que ocorreram desenvolvimentos na comunicação.

O filme abre com uma dança representando o nascimento. Pode ser visto como o nascimento da humanidade e, na forma como a bailarina se comunica através do uso de seu corpo, como o nascimento da comunicação humana e do teatro. As sequências a seguir ilustram, visual e auditivamente, o refinamento desse processo de comunicação por meio da linguagem. Primeiro vemos o rosto humano, que comunica estados de espírito através de suas expressões, depois nos aproximamos da boca e da extraordinária gama de sons que ela é capaz de emitir. Em seguida, vem a adição de sons vocais e, finalmente, quando a imagem corta para revelar a figura nua de corpo inteiro, ouvimos a primeira palavra do filme: ‘Human’.

A sequência seguinte segue o desenvolvimento da linguagem, primeiro com uma figura vestida de toga lendo latim de um livro, ilustrando o nascimento da civilização ocidental, a palavra escrita e o traje, e depois, à medida que as letras proliferam descontroladamente na tela, a chegada de impressão. A última cena é a primeira sem figura humana, mostrando que a linguagem agora ganhou vida própria; e o poder desse novo meio de comunicação é mostrado na cena seguinte: vemos um close-up de um texto e, à medida que é lido em voz alta, gotas de tinta vermelho-sangue caem nas páginas, eventualmente obscurecendo as palavras.

Até agora, além de “Human”, nenhuma palavra de inglês foi falada; temos observado formas de comunicação em relação à sua fonte e razão de ser – o ser humano – sem se distrair com os significados.

A cena seguinte, em que uma recepcionista de cabaré nos dá as boas-vindas ao espetáculo, marca o início da exposição. Acompanhamos a evolução da linguagem em uma importante arena de comunicação: o teatro; em outras palavras, enquanto sentamos lá assistindo a performance, em nossa situação imediata.

O filme então nos leva através de uma mistura de entretenimento teatral, enquanto ao mesmo tempo nos diverte com uma mistura de truques de fotografia. A ênfase nessas cenas, tanto na forma quanto no conteúdo, está na trapaça, na ilusão e na falsidade, mostrando como, no mundo do show business, os atores são usados ​​para criar personagens e imagens que efetivamente impedem qualquer comunicação real de pessoa para pessoa. de acontecer.

Em uma cena comentando sobre cabaré, assistimos a truques de mágica, enquanto a câmera está realizando seus próprios truques de mágica mostrando dois personagens, um filmado de um ângulo baixo e outro de um ângulo alto, simultaneamente.

Em uma cena comentando, talvez, um drama psicológico, vemos uma jovem atriz, de rosto inteiro e perfil ao mesmo tempo, de pé muda e nervosamente enquanto dois homens, talvez o diretor e o produtor, a sufocam com conselhos e instruções. A atriz não tem voz própria, está sendo manipulada por outros, e a única coisa genuína em toda a cena é o que eles estão tentando eliminar; seu medo do palco.

Em uma cena comentando as performances teatrais de estadistas, três atores vestem máscaras de políticos e encenam o tipo de rotina de apertos de mão que vemos em fotos de TV e jornais. Essa cena mostra dois pontos: expõe a construção da imagem pública dos estadistas como um ramo do show business e mostra os atores tendo que representar papéis impostos a eles por pessoas com poder político.

De vez em quando, durante essas cenas, um ator fazendo uma imitação absurdamente exagerada de James Cagney atravessa a tela dizendo: “Não é de admirar que haja tantas baixas”. E de vez em quando uma mão segurando uma câmera desce do topo da tela e tira uma foto nossa, o público em nome do qual todo o saco de truques está sendo realizado.

O clímax do filme é uma sequência em que o truque mais barato do show business, a torta de nata na cara, se torna grotesco e aterrorizante ao ser mostrado em câmera extremamente lenta. Vemos cada detalhe enquanto a torta voa pelo ar, atinge o ator no rosto e começa a cair. Esta é uma tomada muito longa e seu efeito é profundamente perturbador.

A ação que normalmente deveria nos fazer rir é agora vista como um ataque cruel e humilhante a um ator cujo sofrimento é muito aparente. Ele parece estar sendo ferido e, de fato, psicologicamente está. Tal como acontece com as cenas da exposição, estamos sendo solicitados a questionar a relação entre os atores e nós mesmos. Quem são os atores? O que está sendo feito com eles e, através deles, conosco? Por que estamos sentados assistindo? E quem está controlando tudo isso?

Então, de repente, o filme corta para o famoso cinejornal de um camponês vietnamita sendo baleado na cabeça. Vemos mais do que geralmente é mostrado na TV: o homem cai no chão e o sangue jorra da ferida. Ao mesmo tempo, há um grito na trilha sonora, e o filme salta para fora do alinhamento, como se estivesse prestes a quebrar. O efeito cria um choque poderoso, um choque que deve nos fazer pensar e nos forçar a tomar consciência da mensagem do filme.

Os significados são muitos. A súbita intrusão de um pedaço da realidade coloca em perspectiva a artificialidade do resto do filme e, por implicação, de todas as formas de show business. Enquanto as pessoas, incluindo nós mesmos, lotam teatros e cinemas para se divertir e se distrair com artifícios, o massacre em massa está acontecendo todos os dias no mundo real lá fora.

O fato de o filme parecer quebrar, ou ficar à deriva da tela, aumenta o choque visual e sugere que o meio do filme não pode acomodar a realidade. Também interrompe nosso apego à tela, lembrando-nos que não se trata de um mero evento cinematográfico.

Finalmente, um paralelo está sendo traçado entre o ator sendo “baleado” com a torta de creme e o camponês sendo atingido por uma bala; um paralelo que sugere que ambos os homens estão sendo manipulados e levados a sofrer por forças além de seu controle

‘Stagefright’ termina com uma declaração explícita de sua mensagem, ou pelo menos parte de sua mensagem. Provavelmente porque, sendo originalmente feito para a TV, Jost viu uma oportunidade para seu filme atingir um grande público, um grande número dos quais provavelmente não fariam cabeça ou cauda.

A mensagem é entregue pelo ator fazendo a exagerada impressão de Cagney: um dispositivo que reforça a mensagem por sua conspicuidade como meio de prender nossa atenção. O ator, que já se firmou em um papel cômico com sua fala repetida: “Não é à toa que há tantas baixas”, se aproxima da câmera, como se nos confiasse em sua confiança, e diz (aproximadamente):

“Você vê, para comunicar você tem que entreter. Os grandes dramaturgos, como os gregos, e Shakespeare sabiam disso, mas hoje os intelectuais parecem temer isso, como se entreter fosse baratear, e isso deixa o caminho aberto para barato. entretenimento, quero dizer entretenimento com intenções baratas.

“Quem tem acesso a uma audiência tem uma responsabilidade tremenda, que muitas vezes é abusada.

“Todo mundo quer ser alguém, e neste mundo maravilhoso do teatro eles têm uma chance, mas muitas vezes eles a traem para outra pessoa.

“Dizem que o teatro é um espelho para a sociedade, mas na maioria das vezes é um espelho de vaidade.

“O bardo disse: ‘Todo o mundo é um palco’, e talvez seja, mas o que eles não dizem é que toda a vida é encenada. Você tem sua TV, rádio, teatro, filmes e música pop. ; é tudo divertimenti crianças, tudo divertimenti.”

Então o ator, obviamente pensando que a cena está terminada, relaxa, abandona a caracterização e tira o chapéu. Então Jost caminha na frente da câmera e fala com o técnico de som: “Você entendeu?” “A câmera ainda está rodando?” diz o homem de som de aparência confusa. “Você ainda está filmando?”

Então, um por um, Jost apaga as lâmpadas do estúdio e o filme termina na escuridão. Esse final, claro, quebra a ilusão cinematográfica, lembrando-nos que tudo o que vimos na tela também foi encenado pelo próprio Jost.

* Todas as citações, dos filmes e da entrevista, são aproximações extraídas de anotações feitas imediatamente após a visualização dos filmes.

Leia a versão completa deste ensaio em: http://www.literature-study-online.com/essays/jon-jost.html



Source by Ian Mackean

You may also like...

Deixe uma resposta

O seu endereço de email não será publicado.