Uma Breve História da Pop Art na Grã-Bretanha e na América

Após a Segunda Guerra Mundial, seguiu-se um enorme período de transição na Europa e nos Estados Unidos. A grande reconstrução estava na ordem do dia em toda a Europa e, lentamente, uma crescente prosperidade e abundância foi desfrutada pela população desses territórios. Era o alvorecer de uma nova era, mas não foi até a década de 1960 que a emergente sociedade “consumidora” deu origem a uma demanda de bens que até então eram simplesmente inatingíveis.

A arte pop britânica pode traçar suas raízes até meados da década de 1950. Um pequeno grupo independente composto por artistas notáveis ​​da época, juntamente com críticos do mundo da arte, montou uma exposição que foi realizada na Whitechapel Art Gallery em 1956. Esta exposição teve como foco o tema dos produtos de consumo baratos e o papel que eles desempenharam na vida moderna. Embora não parecesse na época, a exposição foi um grande passo à frente no mundo da arte e um grande afastamento do que havia antes. O crítico anterior, Lawrence Alloway (1926-1992) saudou-o como o nascimento de algo novo e em 1958 batizou este estilo distinto de arte como “Pop Art”.

Figuras-chave na cena pop art britânica que se seguiu foram Richard Hamilton (nascido em 1922), cujo trabalho retratava carros, modelos pin-up e eletrodomésticos, entre outros. Peter Blake (n. 1932), por outro lado, concentrou-se em histórias em quadrinhos e cantores pop, enquanto o colecionador de revistas Eduardo Paolozzi (n. 1924) produziu impressionantes colagens reciclando e integrando material publicitário antigo com imagens de tiras de quadrinhos.

Quanto aos EUA, durante a década de 1950 o mundo da arte foi dominado pelo “expressionismo abstrato”. Foi até o início dos anos 1960, quando críticos de arte e artistas americanos começaram a abraçar a Pop Art e dar a este novo estilo de arte sua própria “tomada” americana inimitável. Em 1962, uma exposição intitulada “New Realists” foi realizada na Sidney Janis Gallery, em Nova York. Isso foi inovador na América, até porque a exposição contou com trabalhos de artistas como Andy Warhol (1928-1987), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (n. 1929), Jim Dine (n. 1935) e James Rosenquist (n. 1933). Destes, Warhol, Lichtenstein e Oldenburg se tornaram figuras-chave no mundo da pop art. Warhol tornou-se um nome familiar.

De fato, a fama de Warhol aumentou em 1962 depois que seu trabalho “Campbell’s Soup Cans” foi produzido e apresentado em trabalhos separados – primeiro como “latas” individuais e depois as mesmas latas alinhadas em fileiras imaculadas. Marilyn Monroe e Jackie Kennedy, possivelmente os maiores ícones femininos dos anos 60 na época, também receberam o “tratamento Warhol”, no qual ele serigrafou suas imagens, alterou as cores e as reproduziu em padrões repetidos.

Roy Lichtenstein era um artista de “tirinhas de quadrinhos” e produziu uma massa de obras usando imagens de quadrinhos. Começando em 1960, ele pintou imagens vastamente infladas de quadros de tiras de quadrinhos formados a partir de pontos de papel de jornal colorido. Durante o mesmo ano, Oldenburg começou a esculpir seu próprio nicho no mundo da pop art, criando grandes esculturas de gesso pintadas de sanduíches e bolos! Estes foram logo seguidos por enormes aparelhos de plástico que foram amolecidos para permitir que eles dessem uma “caída” distinta. Tudo isso foi projetado para explorar a natureza da “cultura do consumo” que estava varrendo as nações dos dois lados do Atlântico.

Com o comercialismo de consumo de massa em ascensão em um ritmo alarmante (e aparentemente sem fim à vista), a “Pop Art” permanece muito viva e talvez seja ainda mais pungente e instigante hoje como era em meados do século XX.



Source by Sam Tennyson

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